divendres, 15 de juny del 2012

Typogami: Tipografía del Estudio de Diseño Calango



Calango es un Estudio de Diseño especializado en branding, identidad corporativa, diseño gráfico, motion graphics y diseño de tipografías. Entre sus proyectos nos ha llamado la atención "Typogami", una tipo de tipografia inspirada en las artes japonesas del kirigami y del origami que está disponible en versiones estática y animada para After Effects. 


Podéis ver más  trabajos del Estudio de Diseño Calango en su portfolio de Behance, en su web: http://www.calango.nl/categories/


   
Aquí dos vídeos para ver la característica de esta tipografia; su movimiento

Dean West: Moda y publicidad



Nacido en un pequeño pueblo rural en 1983, Dean West es un fotógrafo australiano considerado una joven revelación. Estudió en la Escuela de Artes de Queensland, Australia, y ha creado un gran impacto en la industria, especializándose en moda,publicidad y retrato. Es un artista conceptual al que le gusta provocar con sus imágenes.Dean West estudia cada detalle al milímetro, lo que lo ha llevado a ganar numerosos premios en concursos publicitarios y ser considerado uno de los 100 mejores fotógrafosemergentes en la exposición de Saatchi & Saatchi de Cannes. Podéis ver mas trabajos de Dean West en su web: http://www.deanwest.com/
fuente: Área Visual

dimecres, 13 de juny del 2012

Retratos a artistas por grandes fotógrafos

Retrats a artistes per grans fotògrafs

En el món dels artistes podem veure molta cooperació tot i formar part d'àmbits diferents.
Es per tant que en aquesta publicació podem veure diferents imatges de grans fotògrafs, molts d'ells fotoperiodistes que treballaven per "Life" on fotografien grans personatges de l'historia de l'art com Jackson Pollock, Pablo Picasso o el arquitecte Mies van der Rohe.
La gran peculiaritat d'aquestes imatges es que són retrats on el protagonista fa la seva feina.
Gràcies a moltes d'aquestes imatges podem conèixer el físic de tots aquests artistes.

En el mundo de los artistas podemos ver mucha cooperación aun pertenecer en ámbitos distintos.
Es por tanto que en esta publicación podemos ver distintas imágenes de grandes fotógrafos, muchos de ellos fotoperiodistas que trabajaban para "Life" dónde fotografían a grandes personajes de la historia del arte como Jackson Pollock, Pablo Picasso o el arquitecto Mies van der Rohe.
La gran peculiaridad de estas imágenes es un retrato donde el protagonista ejerce su oficio.
Gracias a muchas de estas imágenes podemos conocer el rostro de todos estos artistas.



Henri Matisse dibujando a santo Domingo, 1949. Fotografiado por Robert Capa


Pablo Picasso en su estudio. Fotografiado por David Douglas


Pablo Picasso, Cannes, 1956. Fotografiado por David Douglas.


Marcel Duchamp, 1952. Fotografiado por Eliot Elisofon.


Salvador Dalí, 1948. Fotografiado por Philippe Halsman.


Jackson Pollock en su estudio, 1949. Fotografiado por Martha Holmes.


Picasso en el taller de cerámica Madoura, Vallauris, Francia, 1949. Fotografía de Gjon Mill



El arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, 1957. Fotografía de Frank Scherschel.

dimarts, 12 de juny del 2012

Fotoperiodista; Harry Benson

Harry James Benson,va nèixer a escòcia i va ser un un fotògraf documental i periodista que va formar part de "Life", "Vanity Fair, "People" i de "The New Yorker".

en els darrers 50 anys a capturat moments en la vida de cel·lebres persones com Christy Turlington o bé la boda de la filla del president Kennedy, la Caroline Kennedy. Altletas, actors, polítics i fins i tot gent del carrer són el centre d'interés 
en les seves grans fotografíes.

Si voleu veure més treballs del fotógraf o bé saber més informació de la seva vida podeu consultar-ho a la seva pàgina oficial: http://www.harrybenson.com/







Beatles y Cassius Clay




   

diumenge, 10 de juny del 2012

La teoría del color y su mezcla

El color es un medio muy eficaz para crear ambientes y tonos, y es importante comprender las relaciones cromáticas.
La rueda de los colores
Éstas disponen los tres colores primarios (P) en tres puntos equidistantes alrededor de un círculo. Se puede construir empezando con el rojo, el verde y el azul, que son los tres colores que emplean las teles y las pantallas de ordenador. También se pueden emplear tres colores estándares de impresión: magenta, cian y azul. Sin embargo, vamos a ceñirnos a la carta de colores tradicional del pintor, que se vasa en el rojo, amarillo y azul.
Si mezclas los tres primarios al 50% entre sí, se obtienen los colores secundarios (S), a medio camino entre los tres básicos. Ya estés trabajando con ordenador, que produce colores nuevos de forma electrónica, o mezclando pinturas físicamente, el principio es el mismo. En nuestro ejemplo dichos colores serán el naranja (rojo mezclado con amarillo), el verde (amarillo mezclado con azul) y el violeta (azul mezclado con rojo). Si después dividimos esos espacios todavía más obtendremos los colores terciarios (T), que son el rojo anaranjado y el amarillo anaranjado, el amarillo verdoso y el azul verdoso, y el azul violáceo y el rojo violáceo. Si se siguiera dividiendo los espacios muchas veces más acabaríamos produciendo una gradación suave del espectro completo.
En este caso el diagrama muestra como los secundarios y los terciarios se obtienen por medio de la interacción de unos con otros. Las ruedas de colores son unas herramientas magníficas para las combinaciones.
Mezclas aditivas y sustractivasNo vamos a entrar en tecnicismos, ya que se supone que hablaremos de como elegir colores, pero vale la pena explicar brevemente como funcionan ambas mezclas.
Una mezcla aditiva es la que se produce en la pantalla de un ordenador, donde se combinan la luz roja, la verde y la azul para formar los distintos colores. Una mezcla sustractiva es la que se obtiene cuando imprimen tintas o pigmentos para producir diferentes colores, cuando la luz reflejada por la superficie del papel genera los distintos colores que vemos. Descubrirás que muchas veces las imágenes impresas son diferentes de las que has elegido en pantalla; pero, dadas las diferentes posibilidades que existen para crear colores, no resulta sorprendente que esto suceda.
Elegir coloresEntonces, ¿cómo decidimos qué colores elegir para un proyecto? Se trata de algo completamente subjetivo pero puedes ayudarte de la rueda de colores y de la tabla que brindamos en “El significado oculto de los colores“.
Cómo utilizar la rueda de colores.Hay varias maneras de trabajar la rueda, y cada una generará combinacioens sensiblmeente diferentes.
La primera consiste en utilizar colores que aparecen en puntos equidistantes de la rueda. Esto te proporcionará un conjunto cromático bien diferenciado, y podrás elegir todos los colores que quieras, pero en el caso de este ejemplo, digamos que para tu diseño necesitas cuatro. Escoge un color intenso para las áreas de la ilustración que definen los límites y los bordes, y colores menos llamativos para rellenar áreas que hay entre ellos.
Para que lo entiendan, acá les dejo una imagen en la que utiliza 5 colores equidistantes:


El segundo método consiste en elegir cuatro colores adyacentes en la rueda (análogos). Eso te proporcionara una gama armoniosa de colores, que no necesariamente darán como resultado un color dominante intenso, pero sí una gama que combina bien.
Ahora un ejemplo en la que utiliza 5 colores analogos:


El tercer método consiste en escoger colores directamente opuestos en la rueda (complementarios). Evidentemente, esto sólo funciona por parejas, así que intenta escoger dos colores que luego vayas a combinar con el blanco y el negro, u ota pareja bicolor que dé resultados con cualquier otra opción.
Por último podemos ver que utiliza 5 colores complementarios:


No olvides que siempre puedes empezar con un solo color y después utilizar tonalidades diferentes para crear la paleta monocromática de tu proyecto. Si haces esto último, es mejor empezar con un color que esté cercano a uno de los tres primarios, para tener la libertad de crear una gama medianamente amplia de matices más claros. Si empiezas por un color claro la gama disponible se verá limitada.
Por último, la armonización de colores no consiste simplemente en saber si combinan bien o no; también es cuestión de saber qué ambiente pretendes crear con tu diseño. Si quieres transmitir tranquilidad, inclínate por los colores complementarios, pero si buscas algo más atrevido, una combinación más chocante podría ser lo que necesitas.

dissabte, 9 de juny del 2012

Nou logotip de Twitter

La xarxa social Twitter ha evolucionat força al llarg de la seva existència amb el disseny dels seus logotips.
En aquesta imatge podem veure l'evolució d'aquest:
nuevo logo de twitter

Ara twitter n'ha creat un de nou. Tot seguit podeu veure el vídeo de la presentació d'aquest nou disseny.


divendres, 8 de juny del 2012

Tipografies per descarregar



Bon dia!
avui us deixo uns links per poder-vos descargar diverses tipografies pel vostre ordinador. 
Són qualificades les 100 millors tipografies segons un grup d'experts compost per:

Roger Black (Danilo Black, Inc., USA)
Stephen Coles (Typographica, USA)
Jan Middendorp (Publizist, Berlin)
Veronika Elsner (Elsner + Flake, Berlin)
Bertram Schmidt-Friderichs (TDC, Mainz)
Ralf Herrmann (TypoForum, Weimar)
Claudia Guminski (FontShop, Marketing, Berlin)
 


Descargar tipografies:
link 1
link 2 

dijous, 7 de juny del 2012

Francesca woodman y Frida Kahlo, sus análisis comparativo


Análisis comparativo

Estas dos artistas han sufrido en distintas circunstancias durante su vida y se han refugiado en el arte para expresar sus sentimientos, miedos y sufrimientos.  

Cada una de ellas ha explicado su temor a través del arte aunque de forma distinta; Francesca Woodman con la fotografía y Frida Kahlo a través de la pintura.
Las dos usan su imagen e símbolos de ellas en sus obras pero a la vez, Kahlo se centra más en su imagen que Woodman. Es por tanto que en ellas vemos diferencias y semejanzas que podemos relacionar en sus obras.
No obstante, sus obras están llenas de sentimiento y emociones que muchas veces nos lo transmite al espectador.


A nivel compositivo, se aprecia que Francesca hace un gran uso del desenfoque y movimiento en sus imágenes pero sobretodo se centra en el uso de la luz y las sombras para mostrar así ambientes fantasmagóricos e inquietantes,  en cambio Frida es más neutra con este aspecto ya que prácticamente en ninguna de sus obras aparecen sombras o degradados; sus imágenes suelen ser con una luz frontal y directa. Por lo tanto, en Francesca Woodman vemos ambientas mas deteriorados y en Frida Kahlo, un poco más comunes e incluso alegres.

Las imágenes de Francesca tienen una composición de los objetos muy simple ya que aparecen pocos. Mayoritariamente en sus imágenes sólo aparece ella acompañada de algún pequeño elemento el que muchas veces deforma su propio cuerpo.
En cambio las imágenes de Kahlo son mucho mas elaboradas compositivamente, están compuestas de muchos más elementos, animales, escenarios reconocibles o otros artistas.
No obstante en la mayoría de sus obras, ellas son las protagonistas todo y que no de una forma totalmente realista ya que ellas mismas se modifican o bien con caricaturas, elementos suyos característicos o añadiendo elementos que alteren su aspecto.
Un ejemplo en Francesca Woodman, es el uso de espejos, cristales, cordeles o pintura que envuelven el cuerpo.

Los espacios que se muestran en las imágenes de Francesca Woodman, igual que los objetos u otras personas, son viejos e en mal estado, paredes desgastadas, bosques solitarios, casa medio derrumbadas e antiguas…, en cambio los escenarios y elementos que vemos en las imágenes de Frida Kahlo son mas cuotidianos, cómo un jardín, una cama o sus animales de compañía, (varios monos y pájaros) e incluso hace uso de escenarios irrealistas cómo por ejemplo envolver el fondo de un retrato con dibujos y flores o suelos rotos.

En las imágenes de Frida Kahlo predominan los colores vivos y llamativos, los cuales caracterizan mucho su obra. Sus colores más frecuentes son el rojo y el verde. (Especificación del simbolismo de los colores en su obra en el apartado de la Biografía de Frida Kahlos). En algunas ocasiones, vemos en las obras de Frida Kahlo, una línea negra para separar los colores, delimitar así la forma del elemento dibujado.
Las fotografías de Francesca Woodman en cambio son en blanco y negro aunque ya muy al final de su carrera realizó varias fotografías en color.

Francesca hace uso de distintas perspectivas, característica también se su período.
Kahlo en cambio hace una perspectiva más simple y directa, por ejemplo, si es un retrato, lo pinta de una manera frontal. Para ella lo más importante es mostrar aquello que quiere mostrar y no mostrarlo en deformación.

En el ámbito temático, Francesca Woodman no se centra en ninguno en concreto, simplemente hace fotografías con un valor expresivo e sentimental.
Frida hace todas sus pinturas alrededor de su vida, dónde algunas de ellas son retratos de ella misma, retratos de otros personajes, o elementos de su vida los cuales simbolizan eso que ella nos quiere mostrar. Por ejemplo, en vez de retratarse de una forma borrosa para que intuyamos su dolor como haría Francesca, Kahlo se retrata con el corsé para que veamos claramente dónde esta su sufrimiento. Es por esto que en las pinturas de Frida Kahlo vemos muchos corsé o espaldas rotas, clavos e niño y abortos.

Muchas de las obras de Frida Kahlo tienen mensajes políticos, a veces visibles con frases o dibujos y otras veces más escondidos en pequeños detalles. Frida siempre ha dado soporte al partido comunista, cuando Francesca Woodman no nos muestra ninguna ideología escondida en sus fotografía.


 Una de las partes de las cuales consta mi trabajo final de historia de la fotografía. Si estáis interesados, más adelante puedo publicar el análisis en obras de estas dos artistas. 



dimarts, 5 de juny del 2012

Consejos para diseñar

10 consejos para diseñar con éxito logotipos para marcas

La comunicación visual desempeña un papel fundamental en el branding. Y el “rostro” de la comunicación visual en la marcas en el logotipo. Es éste el que da la bienvenida al consumidor a la marca, el intermediario que pone en contacto a empresa y cliente. Por este motivo, el proceso de creación del logo de una marca resulta tan importante. Éste debe ser único, reflejar los valores de la marca y al mismo tiempo resultar creíble para el cliente. Para lograr la máxima eficacia en el diseño de logotipos empresariales, el portal Smashingbuzz recomienda seguir los siguientes 10 consejos:
1. El logo debe conectar con el consumidor
Un buen logotipo debe conectar la marca a la que representa con su público objetivo. Su labor es servir de puente entre la marca y la fidelidad del consumidor a dicha marca.
2. El logo debe activar el pensamiento del consumidor
Los logotipos de marcas deben desencadenar procesos mentales en el consumidor. Deben alentar la imaginación y el subconsciente del cliente. Un logo que no conecta con la mente del consumidor es un logo fallido.
3. El logo debe promover la fidelidad del consumidor
Los logotipos están muy relacionados con la fidelidad y la confianza del consumidor. Cuanto más comunique un logo, más rápida será la fidelización de clientes potenciales de la marca. No hay que olvidar, por otra parte, que el logo debe crear lazos no sólo con el consumidor sino también con el empleado de la empresa a la que representa.
4. El logo debe reforzar la presencia de la marca
El logo es el “embajador” de la marca, aquel que la representa siempre y en todo lugar, aun cuando ésta no tenga presencia física. Con un buen logotipo, es posible hacerse presente en la vida diaria del consumidor sin que haya contacto “real” entre empresa y cliente.
5. El logo debe tener un significado
Dotar al logotipo de significados racionales es importante para conectar con el cliente. Para lograrlo, no basta con crear un logo “atractivo”. Es preciso que éste cuente con un tema y que pueda ser asociado con elementos racionales. Además, no se trata sólo de que el logotipo tenga un significado global en su conjunto, sino que lo tengan también cada una de las partes que lo conforman. Si no es así, la conexión con el consumidor será mucho más difícil.
6. El logo no debe ser aburrido
Un buen logo no debe aburrir jamás al consumidor. Su objetivo es captar la atención del cliente y esto es no consigue aburriéndolo. Si el consumidor se aburre, no conecta con el mensaje del logotipo y lo olvida.
7. El logo no debe ser demasiado complicado
La simplicidad suele ser clave en el diseño de logotipos para marcas. Cuanto más sencillo sea un logo, mejor conectará con el público objetivo de la marca. En cambio, un logotipo con un diseño demasiado “enrevesado” lo tendrá más difícil para conquistar al cliente, puesto que será menos memorable.
8. El logo no debe incluir fotografías
Un logotipo es más fácil de recordar si consta únicamente de elementos gráficos simples. Las fotografías contienen millones de colores que son muy difíciles de procesar. Por eso, es mejor renunciar a este tipo de elementos en los logotipos.
9. El logo no debe ser copia de otro
Si quiere conectar realmente con el consumidor, el logotipo debe diferenciarse claramente de la competencia y ser único. Es un error tratar de imitar los logotipos de otras marcas.
10. El logo no debe emplear tipografías demasiado extrañas
El tipo de letra tiene una importancia crucial en el diseño de logotipos para marcas. Para lograr conectar con el cliente, lo mejor es utilizar tipografías simples y poco recargadas.
Link: Marketing Directo

dilluns, 4 de juny del 2012

Como no fotografiar tu propio reflejo


Publicación de Miguel Esquirol en AlTFoto
Una de los problemas típicos de fotografía de objetos, es cuando se trata de un objeto reflectante, unos cubiertos, una botella, y mucho más aun si el reflejo no sólo refleja la luz sino a nosotros mismos.
Existen tres principales problemas con los reflejos cuando intentamos sacar fotografías:
  • El objeto refleja sus alrededores
  • El objeto refleja las fuentes de luz
  • El objeto refleja al propio fotógrafo

Comprendiendo las reflexiones

Para poder solucionar estas dificultades tenemos que comprender primero cómo funcionan las reflexiones.
Con un poco de geometría de la escuela, entendemos que el ángulo con el que la luz llega al objeto será el mismo con el que saldrá de este pero en dirección opuesta.
De la misma forma no sólo la luz directa llega a nuestra cámara siguiendo esta reglasino todos los objetos que la rodean, incluyéndonos a nosotros mismos.

El objeto refleja sus alrededores

En el primero de los casos nos topamos con que todos los objetos de nuestro alrededor aparecen repetidos en el objeto. Para evitar este problema lo mejor y más simple es utilizar una “lightbox”, de tal manera que el objeto sólo pueda reflejar paredes blancas.
La otra opción es utilizar planchas blancas, posicionándolas en los espacios más problemáticos donde más reflejos encontramos.

El objeto refleja las fuentes de luz

Cuando el objeto refleja las fuentes de luz se crean manchas de luz y áreas quemadas en el propio objeto. Para evitar este problema es necesario tomar en cuanta dos cosas:
  • Recordar que el ángulo de llegada al objeto es el mismo que el de salida, de esta manera moviendo la luz y cambiando el ángulo es fácil lograr que la luz deje de rebotar hacia la cámara.
  • La utilización de softboxes para suavizar la luz será importante para suavizar los propios reflejos de los objetos.

El objeto refleja al fotógrafo

Cuando nos vemos reflejados en el objeto, o simplemente el lente de la cámara aparece como una mancha negra puede convertirse en un verdadero dolor de cabeza. Existen varias soluciones que pueden funcionar:
  • Cambiar el ángulo de la cámara o del objeto intentando encontrar el punto menos molesto.
  • Esconderte detrás de una plancha blanca con un pequeño espacio para el lente.
  • Alejarte un poco del objeto y disparar con teleobjetivo.
  • Esconderte en la oscuridad apagando todas las luces de la habitación/estudio y utiliza sólo las que están dirigidas al objeto cuidando queninguna de ellas esté dirigida hacia ti.
  • Cuando nada funciona, lo mejor que podemos hacer es intentar reducir lo máximo posible el tamaño del reflejo y después intentar borrarnos en post-procesado.

diumenge, 3 de juny del 2012

Información básica de vídeo


¿Qué es un vídeo? És esa tecnlogía de la captación, grabación, almacenamiento y reconstrucción por los medios electrónicos digitales o bién analógicos de una secuencia de imágenes que representan escenas en movimiento y muchas veces con un hilo narrativo.

Edición de vídeo: Proceso para elaborar un trabajo audiovisual a partir de imágenes

Cómo técnicas de vídeo existen:
Slidshow: Presentación de imágenes fijas en formato vídeo
Stop Motion: aparentan el movimiento de objetos estáticos por una serie de imágenes fijas sucesivas
Narrativa fotográfica con elementos audiovisuales: se crean narraciones con vídeo, imágenes, audio, texto…
Producciones audiovisuales con material de fotografía: rodaje de documentales o distintos vídeos realizados con cámaras fotográficas de alto nivel.
Falso 3D: creación de un Slidshow pero con imágenes con mucha profundidad de campo.

Tiempos de edición de vídeo:
Montaje a tiempo real: multi-cámara en directo
Montaje después de la grabación: entre dos magnetoscopios (reproductor y grabador)

La persistencia retinaria es un fenómeno visual que demuestra como una imagen permanece en la retina una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Este hecho permite que veamos secuencias de imágenes en movimiento. Nuestro ojo ve 10 imágenes por segundo.

La codificación del vídeo, es distinta según la región.
PAL: Europa, Argentina, Brasil, África, Asia y Oceanía. Compuesta por 25 fotogramas por segundo
NTSC: América, Corea y Japón. De 29,97 Fotogramas por segundo
SECAM: Francia y Rusia. 25 fotogramas por segundo

PS: en cine son 24 fotogramas por segundo.
Cámara normal: 24 fotogramas
Cámara rápida: 12 fotogramas
Cámara lenta: 50 fotogramas

Procesos:
Proceso Entrelazado: se usa en NTSC y PAL. Visualiza sólo la mitad de las líneas horizontales en cada pasada (cada fotograma se divide en dos, primero las líneas impares y luego la líneas pares). En nuestro cerebro unimos los dos fotogramas y vemos una sola imagen.
 Proceso Progresivo: Se visualizan las líneas horizontales de la imagen a la vez.

Resolución
SD: 720x576 px
HD 1080p: 1920x1080 px
HD 720: 1280x720 px

Aspect Ratio
Estándares: 4/3 – 16/9
Letterbox: 4/3 con barras negras horizontales
Pillarbox: 16/9 con barras negras verticales

Bill Rate: medida de la tasa de información en una secuencia de vídeo. Mayor Bit Rate, mas calidad. Se mide en bits por segundo y/o megabits por segundo. 

PS: si quereis mas información sobre los proceso esmentados anteriormente ir al siguiente link

No tots sóm "Ni-Ni" també sóm "Sí-Sí"


És cert que darrerament l'únic que és parla dels joves és de que no estudien, de les vages i rebelions, que no tenen treball... però la realitat per alguns si que pot ser aquesta, però per d'altres no, i és per aixo que MAI s'ha de generalitzar. Som molts els que estudiem i ens busquem la vida treballan o fent el que realment voldrem ser en un futur. Aquest és l'exemple de juventut que s'ha de treure a la llum, per a demostrar-nos a tots que sóm capaços de tirar andevant i de lluitar per ser el que realment volem ser/volem estudiar tot i les dificultats socials i económiques del moment.

És aquet l'article que m'ha fet obrir els ulls sobre aquesta qüestió. La font és el "diari ARA"
"Som joves 'sí-sí'". Així es titulava una carta que un grup d’estudiants de la Universitat Pompeu Fabra va enviar fa uns mesos a la redacció de l’ARA per denunciar que aquests últims anys s’hagin etiquetat els joves com la generació 'ni-ni', els que ni estudien ni treballen.
La carta és l’origen d’aquest reportatge, que parla de set joves que fan malabarismes amb horaris laborals i d’estudis. O entre dues feines. Fins i tot, entre la feina i l’inici d’una vida en parella.Tots es lleven ben d’hora i no tornen a casa fins entrada la nit.

Nous enllaços d'interès al blog!

PressDisplay: página web on podeu trobar totes les portades dels diaries del món, incloent una breu informació de cada una d’elles.

Col·legi de publicitaris y RRPP de Catalunya

Col·legi de Periodistes de Catalunya

Videonotícies: informació i actualitat en format vídeo

El publicista: informacions sobre exposicions del món de la publicitat, conferències, fets rellevants…

Blog informatiu de la facultat de comunicació blanquerna: informacions de la universitat i també a nivell cultural.
http://itunesu.blanquerna.url.edu/comunicacio/


Si algú de vosaltres te un blog, o coneix alguna pàgina web, blog o qualsevol enllaç d'interès podeu propossar-ho via e-mail. Silfabra.a@gmail.com
Gràcies per la vostra col·laboració! :) 

dissabte, 2 de juny del 2012

Ubicación de la luz

Posición de la luz. Muy usada e característica en los retratos y bodegones.

Luz frontal: En este tipo de iluminación la fuente de luz se coloca detrás, y sobre el fotógrafo, y enfocada directamente al objeto/sujeto
Debido a la cercanía entre la fuente de luz y el objeto, obtenemos fotografías planas con poca textura, escasas zonas sombreadas y sectores demasiado iluminados. Aunque conseguimos aumentar la cantidad de detalles que podemos observar del objeto. Es recomendable rebotar la luz principal contra el techo para atenuar el efecto de luz plana, y evitar fondos muy reflectantes, ya que éstos producirían reflejos indeseados.
Luz lateral: Es este tipo de iluminación la luz incide en el objeto de forma lateral. Normalmente con un ángulo de 90º en relación a la linea recta imaginaria que forma el fotógrafo y el objeto fotografiado.  En esta iluminación colocamos la fuente de luz a un lado del fotógrafo para conseguir una zona con una fuerte iluminación y la contraria con un contraste marcado de sombras.
En este tipo de iluminación, conseguimos un contraste extremo entre las zonas iluminadas y las que no lo están.  La luz es dura y las sombras excesivas, por eso es recomendable colocar una luz de relleno en el lado contrario para atenuar estos contrastes.
Luz semilateral: En este tipo de iluminación la luz principal incide en el objeto de forma diagonal. La luz se coloca en una posición intermedia entre la iluminación frontal y lateral, en unos aproximadamente 45º.
Esta iluminación es la más aconsejable puesto que las sombras que se consiguen favorecen la profundidad, dando más perspectiva, y las texturas ganan riqueza en sus matices.
Esta sería la colocación más clásica y utilizada por los fotógrafos.
Contraluz: En este tipo de iluminación, la fuente de luz principal está detrás del objeto y de frente al fotógrafo.
Con esta ubicación de la luz principal detrás del objeto fotografiado, se consiguen imágenes artísticas, en que priman las siluetas muy contrastadas.
Se anulan prácticamente los colores y obtenemos zonas o muy claras, o muy oscuras. También conseguimos “separar” el objeto del fondo.
Semicontraluz: En este caso, la iluminación es una forma intermedia entre el contraluz y la luz lateral. Tomando una linea recta imaginaria entre el sujeto y el fotógrafo, esta iluminación estaría ubicada en unos 135º.
En este tipo de iluminación, conseguimos que la luz resalte las texturas y la perspectiva en el objeto. También conseguimos fotografías artísticas con siluetas en alto contraste.
Luz cenital (o picado): En esta iluminación la luz proviene de la parte superior. Hay que tener en cuenta que este tipo de iluminación produce sombras duras y verticales, y zonas con iluminaciones excesivamente claras. Se suele usar para iluminar planos generales.
Normalmente este tipo de iluminación no se suele utilizar en estudio.  Su uso más frecuente es en exteriores, aprovechando la luz natural del día.
Iluminación contrapicada: Esta iluminación es justo la contraria a la cenital. La fuente de luz incide en el objeto desde abajo hacia arriba.

divendres, 1 de juny del 2012

Recomendación de un libro "de cultura general" para conocer un poco más el mundo de la história del arte; sus mayores artístas, obras características de algun período...

Libro 
19.50 €



Incluye imágenes, ilustraciones, cronologías, glosarios y destacados.


Ps: este libro forma parte de una colección en los cuales se centran en explicar distintos temas de la vida quotidiana. Por ejemplo, otros títulos de estos libros son: 50 cosas que hay que saber sobre la genética, la arquitectura, la política, la economía...



Sinopsis

Visitar un museo de arte, antiguo o moderno, puede ser una experiencia conmovedora y estimulante o, por el contrario, ser mortalmente aburrida. Ello dependerá de la calidad de las obras expuestas pero, sobre todo, del conocimiento que uno atesore sobre arte, una disciplina enigmática, asombrosa y desconcertante que plantea al espectador la dificultad de entender y descifrar aquello que contempla.
 50 cosas que hay que saber sobre arte es una perfecta introducción al conocimiento sobre movimientos, simbología y artistas más destacados de la historia del arte. Un libro indicado para aquellos incapaces de discernir entre un Degas o un Monet o entre Dalí y Duchamp, y que te sumerge de lleno en la historia de la disciplina, desde la prehistoria al tiempo presente.
 El libro aborda los principales periodos; barroco, renacimiento, arte flamenco, Egipto antiguo, así como los movimientos más destacados del arte moderno y contemporáneo; romanticismo, minimalismo, surrealismo o Arte Pop. 

Algunas de 50 cosas del arte


En el diario "El País" se publicaron distintas informaciónes, simple y de cultura general por aquellos interesados en historia del arte. Explicaciones de pinturas famosas, esculturas reconocidas e incluso algun fotograma.

Hacer clik en la siguiente frase para visualizar el enlace.


Algunas de las 50 cosas que hay que saber sobre arte


Noves tipografíes

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